Frédéric Chopin

Nocturnos de Chopin, partituras

Nocturne N°20 opus posthume

Frédéric Chopin usó una estricta forma de rubato en algunas de sus obras: la mano izquierda siempre tocaba en el tiempo exacto de la pieza, mientras la mano derecha (la que llevaba la melodía) tocaba con libertad, o sea, con rubato. Franz Schubert y Alexander Scriabin también usaban el rubato para dar emoción a sus obras. Mientras Schubert estaba tocando en el Burgtheater en 1825, fue aplaudido por Salieri quien lo felicitó por el buen uso del rubato

arpegio en Do Mayor

Beethoven (Sonata para piano n.º 14 en Do sostenido menor, Opus 27 n.º 2 - I. Adagio sostenuto)

"Sonata para piano n.º 14 (Beethoven)"
del pintor polaco Stanisław Masłowski,
1884.

"Puesto que estoy solo:
una mujer amada
o un desdichado
compañero de viaje.

Puesto que soy poeta:
un arco de palabras
que no puedo tensar
sin un sentimiento
de dicha y de horror.

Puesto que soy prisionero:
una súbita mirada
hacia la libertad.

Puesto que estoy amenazado
por la muerte:
un animal vivo aún caliente,
un corazón que palpita
sarcásticamente.

Puesto que estoy amenazado
por el mar: un arrecife de duro granito."




-Stig Dagerman-

BARENBOIM ON BEETHOVEN - Live from Berlin

Círculo de Quintas

Cada paso en la dirección dominante es un intervalo de quinta, y significa que cada vez hay que añadir una nota sostenida a la nueva escala mayor. Los tonos bemoles se forman moviéndose en dirección contraria a las agujas del reloj. Cada paso en la dirección subdominante es un intervalo de cuarta y significa la adición de un bemol a la nueva escala mayor.

En teoría es posible continuar indefinidamente en cualquier dirección. El tono de DO se podría representar como SI# (con 12 sostenidos) o como REbb con 12 bemoles.
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lunes, 12 de septiembre de 2011

Franz Liszt - Weimar: de Goethe a Wagner


 



Franz Liszt - Weimar: 

de Goethe a Wagner 




Comenzamos el programa en 1849, el año en que Liszt participó en las celebraciones que se convocaron en Weimar con motivo del centenario del nacimiento de Goethe y estrenó en la ciudad el Tannhaeuser de Wagner. Ese mismo año escribió las 6 Canciones de Goethe sobre lieder de Beethoven S 468 y Oh mi dulce estrella de la tarde sobre el aria homónima de Tannhaeusser para piano S 244. Escuchamos también los lieder Bist du y Die Vaetergruft, la primera Oda fúnebre en versión para órgano y dos Rapsodias húngaras en arreglo para cimbalón y conjunto instrumental.













domingo, 4 de septiembre de 2011

Berezovsky - Liszt - Transcendental Etude (HQ) / RADIO CLÁSICA (ARRAU)






Franz List





Franz Liszt en 1824





 Transcendental Etudes 

No.1-3 

(Berezovsky) 

                                                                 




Transcendental Etude No.1 in C major, "Preludio" - 0:13
Transcendental Etude No.2 in A minor, "Molto Vivace" - 0:59
Transcendental Etude No.3 in F major, "Paysage" - 3:13




Transcendental Etude No.4, 

Mazeppa

(Berezovsky)






Transcendental Etude No.4 in D minor, "Mazeppa"




Berezovsky

Transcendental Etude No 5,

Feux Follets







Berezovsky - Liszt - Transcendental Etude No 5, "Feux Follets"
Trascendental etudes are 12.
La Roque D'antheron,2002



Transcendental Etude No.6,

Vision

(Berezovsky)






Transcendental Etude No.6 in G minor, "Vision"





Transcendental Etude No.7,

Eroica

(Berezovsky)






Transcendental Etude No.7 in E-flat major, "Eroica"





Transcendental Etude No.8,

Wilde Jagd

(Berezovsky)





Transcendental Etude No.8 in C minor, "Wilde Jagd"





Transcendental Etude No.9,

Ricordanza

(Berezovsky)





Transcendental Etude No.9 in A-flat major, "Ricordanza"





Trascendental Etude

N.10

(Berezovsky) 






Berezovsky plays liszt




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sábado, 3 de septiembre de 2011

Jaques Offenbach "Barcarola", María Callas





Jaques Offenbach

"Barcarola"


FAKE - FALSO Maria Callas: 
"Barcarolle" Offenbach








Molti Fake-Audio circolano su Internet, e qualcuno anche pubblicato su CD. Generalmente la provenienza è da Emule, da li si dirama in tutti i canali Audio-Video possibili a livello internazionale.
Si tratta di brani che la Callas non ha MAI registrato e non esistono nemmeno registrazioni private-pirata.

La "Regina della Notte" cantata dalla Callas esiste solo accennata durante i Masteclass.
I principali Fake sono:
"La regina della Notte" (Queen of the Nigh-La Reina della Noche) da "Il Flauto magico" di Mozart .
"Ave Maria" di Gounod.
"Ave Maria" di Schubert.
"Ave Maria" di Mozart. (?)
"Shawshank Redemption" da "Le Nozze di Figaro" di Mozart (definito anche "Le ali della libertà" dal film).
"Barcarolle" da " I Racconti di Hoffman" di Offenbach.
"Soave sia il vento" con Del Monaco, da "Così fan tutte" di Mozart.
"Summertime" da "Porgy and Bess" di Gershwin.
.
Alcuni sono totalmente assurdi (Summertime...)
.
Ricordiamo anche che non ha mai cantato con: Bocelli, Pavarotti, Domingo. Si tratta di falsi o Mix realizzati appositamente.




  *   *


La Vita è Bella - Barcarolle


Monserrat Caballè - Shirley Verret 







La Vita è Bella -  Soundtrack - Barcarolle - Jaques Offenbach - Monserrat Caballè - Shirley Verret - Tales of Hoffmann - La Vida es Bella





Offenbach, "Barcarola"









 
Placido Domingo - Barcarolle (Les Contes d'Hoffmann)

















viernes, 2 de septiembre de 2011

Johann Strauss, El Danubio Azul








Johann Strauss 





LA ÓPERA DE VIENA



Danubio Azul

Concierto año nuevo 2009

(Barenboim)









Vladimir Malakhov 

The Blue Danube





Malakhov with Vienna State Opera Ballet
(2002 Vienna New Year's Concert)




LE BEAU DANUBE BLEU

(J. Strauss II) 

2008 GEORGES PRETRE







Waltz Blue Danube

- Silvester 2008 -





Famous Vienna Orchestra - + Ballette - for Silvester 2008












ARPA - Arianna Savall -








Arpa





Arpa eólica en el viejo castillo de Baden Baden, 
de un artículo en el Suplemento de Scientific American, 
Nº 483, 4 de abril de 1885




Arpa eólica de un castillo antiguo






Arianna Savall - Yo m'enamori d'un aire




This is Arianna Savall with a beautiful song from her album "Bella Terra"





Salterio,
Cantiga 40 La Rota o crota:
es un salterio en forma de triangulo rectangular 
con 17 cuerdas, que puede tañerse con los dedos 
o con plectro.





Hirundo Maris - Arianna Savall




Rencontres de lutherie et musique Médiévales
Largentière
Nouvel extrait du concert d'Hirundo Maris :
Arianna Savall - Petter Johansen - Corina Marti - David Mayoral

Asmund Fregdegjeva" - trad. Norvégien,. Arrangements : Petter Johansen.




Hébert La Musica





Halling Arianna Savall &
Petter Udland Johansen




Fontfroide 08.08
Arianna Savall
Petter Udland Johansen
Dimitri Psonis
Sveinung Lilleheier
Pedro Estevan



Arpa de Any en el Museo Británico




El Arpa de la tumba de Any, es un instrumento que data del año 1550-1069 a. C., en época del Imperio Nuevo de Egipto.

El arpa fue hallada en el interior de la Tumba de Any, (antiguo Escriba Real, escriba de ofrendas de Atón y además Administrador del Estado de Amenhotep II, séptimo faraón de la Dinastía XVIII de Egipto que reinó del 1427 a 1401 a. C), y que está situada en la antigua ciudad de Tebas.

El Arpa de la Tumba de Any se exhibe en el Museo Británico, en Londres.








Sephardic Songs A la nana






Vocal music was very important during the Renaissance years and many vocal pieces were secular. Some surviving popular music may be heard in the music of a new Jewish diaspora, the music of Spanish Jewry, the Sephardim, expelled from Spain in 1492 as Ferdinand and Isabella consolidated their power. Those thus displaced often found a welcome in the lands of the Ottoman Empire, to which they brought linguistic and cultural traditions that still survive.





Maler der Grabkammer, 
pintura egipcia sobre un arpista






Jordi Savall: Diaspora Sefard El Moro





Diáspora Sefardí: El Moro de Antequera (Rhodes)












jueves, 1 de septiembre de 2011

Goethe y Schubert La biblioteca verde 3 ("DER ERLKÖNIG")










Goethe y Schubert

La biblioteca verde 3




         "Seguimos recorriendo los lieder de Schubert sobre poemas de Goethe del periodo 1814-1815; entre otros, "Al borde del río", "Canción nocturna del caminante-1", "Amor" y "Amor sin descanso". Dietrich Fischer Dieskau, Thomas Quasthoff, Elly Ameling y Elisabeth Schwarzkopf."




Dietrich Fischer Dieskau

 Schubert 

Der Erlkönig spanish sub 






Bernhard Neher (1806-1886) Erlkönig











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“Der Erlkönig”











           En 1782, Johann Wolfgang Goethe compuso su poema “Der Erlkönig” (traducido comúnmente como “El rey de los elfos”). 




       En él nos narra la historia de un padre que cruza a caballo el bosque en una noche tormentosa llevando en los brazos a su hijo moribundo, mientras éste dice ver al rey de los elfos que pretende llevarle consigo. Cuando el padre llega a casa, el niño ha muerto.

         La figura del rey de los elfos parece que procede de la tradición germánica y danesa. Se trata de un ser sobrenatural que cuentan que se aparece a aquellos que van a morir y si les toca les causa la muerte.





 
El rey de los elfos -Albert Sterner- 1910 




.
         En 1815, Franz Schubert tomó el poema de Goethe y compuso el lied “Der Erlkönig”, aunque no sería estrenado en público hasta 1821. En esta pieza para voz y piano, Schubert logra reflejar con inusitada maestría cada uno de los personajes que aparecen en el poema, confiriendo a cada uno de ellos unas características musicales propias, lo que dificulta la interpretación del solista vocal que debe hacer gala de una expresividad y ductilidad muy importantes, ya que tiene que reflejar, al mismo tiempo, el miedo creciente del hijo, la sugestiva persuasión del rey de los elfos, y la inquieta contención del padre.


         El narrador comienza y termina el lied con tono dramático; el padre requiere una voz más grave de tono tranquilizador; el rey de los elfos, mediante pianísimos y tonos suaves, debe mostrarse sugerente para intentar convencer al niño que vaya con él; y el hijo, según avanza el lied, aumenta la intensidad de su voz al tiempo que lo hace su miedo.

         En cuanto al acompañamiento musical, el piano representa el galope del caballo con las veloces notas repetidas en la zona grave, mientras la lluvia y el viento son descritas con las notas ascendentes y descendentes dando sensación de continuo movimiento. En la última estrofa, cuando el padre acelera el galope, aumenta la velocidad de las notas del piano, que se detienen en seco al llegar a la casa y descubrir que el niño ha muerto.










EL REY DE LOS ELFOS



¿Quién cabalga tan tarde a través del viento y la noche?
Es un padre con su hijo.
Tiene al pequeño un su brazo
Lo lleva seguro en su tibio regazo.

"Hijo mío ¿Por qué escondes tu rostro asustado?"
"¿No ves padre al Rey de los Elfos ?
¿El Rey de los Elfos con corona y manto?"
"Hijo mío es el rastro de la neblina."

"¡Dulce niño ven conmigo!
Jugare maravillosos juegos contigo;;
Muchas encantadoras flores están en la orilla,
Mi madre tiene muchas prendas doradas."

"Padre mío, padre mio ¿no oyes
Lo que el Rey de los Elfos me promete?"
"Calma, mantén la calma hijo mío;
El viento mueve las hojas secas. "

"¿No vienes conmigo buen niño?
Mis hijas te atenderán bien;
Mis hijas hacen su danza nocturna,
Y ellas te arrullaran y bailaran para que duermas."

"Padre mío, padre mío ¿no ves acaso ahí,
A las hijas del Rey de los Elfos en ese lugar oscuro?"
"Hijo mío, hijo mío, claro que lo veo:
Son los árboles de sauce grises."

"Te amo; me encanta tu hermosa figura;
Y si no haces caso usaré la fuerza."
"¡Padre mío, padre mío, ahora me toca!
¡El Rey de los Elfos me ha herido!"

El padre tiembla y cabalga mas aprisa,
Lleva al niño que gime en sus brazos,
Llega a la alquería con dificultad y urgencia;
En sus brazos el niño estaba muerto.



Moritz von Schwind (1804-1871) 
Illustration zu Goethe's Der Erlkönig



Der Erlkönig 


Wer reitet so spät durch Nacht und Wind?
Es ist der Vater mit seinem Kind;
Er hat den Knaben wohl in dem Arm,
Er faßt ihn sicher, er hält ihn warm.

"Mein Sohn, was birgst du so bang dein Gesicht?"
"Siehst, Vater, du den Erlkönig nicht?
Den Erlenkönig mit Kron und Schweif?"
"Mein Sohn, es ist ein Nebelstreif."

"Du liebes Kind, komm, geh mit mir!
Gar schöne Spiele spiel' ich mit dir;
Manch' bunte Blumen sind an dem Strand,
Meine Mutter hat manch gülden Gewand."

"Mein Vater, mein Vater, und hörest du nicht,
Was Erlenkönig mir leise verspricht?"
"Sei ruhig, bleibe ruhig, mein Kind;
In dürren Blättern säuselt der Wind."

"Willst, feiner Knabe, du mit mir gehn?
Meine Töchter sollen dich warten schön;
Meine Töchter führen den nächtlichen Reihn,
Und wiegen und tanzen und singen dich ein."

"Mein Vater, mein Vater, und siehst du nicht dort
Erlkönigs Töchter am düstern Ort?"
"Mein Sohn, mein Sohn, ich seh es genau:
Es scheinen die alten Weiden so grau."

"Ich liebe dich, mich reizt deine schöne Gestalt;
Und bist du nicht willig, so brauch ich Gewalt."
"Mein Vater, mein Vater, jetzt faßt er mich an!
Erlkönig hat mir ein Leids getan!"

Dem Vater grauset's, er reitet geschwind,
Er hält in Armen das ächzende Kind,
Erreicht den Hof mit Müh' und Not;
In seinen Armen das Kind war tot.





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La composición de Franz Schubert


Franz Schubert compuso su lied Erlkönig en 1815 para voz y piano, con el texto del poema de Goethe. Schubert reviso su trabajo tres veces antes de publicar su cuarta versión en 1821 como su Opus 1; luego de su muerte fue catalogada como D.328, usando el sistema de Otto Erich Deutsch. Fue puesta en escena por primera vez en un concierto el 1 de diciembre de 1820 en una reunión privada en Viena. Se presentó al público el 7 de marzo de 1821 en el Theater am Kärntnertor en la misma ciudad.


Cuatro personajes (narrador, padre, hijo y el Rey de los Elfos) son cantados por un vocalista normalmente pero también por cuatro en ciertas ocasiones. Schubert puso a cada personaje en diferente escala vocal y cada uno con su propio ritmo, la mayoría de vocalistas que cantan usan un tono diferente para cada personaje.



1. El narrador: rango medio en modo menor.
2. El padre: rango bajo y canta en modo menor y modo mayor.
3. El hijo: rango alto y modo menor, de esta forma representando el miedo.
4. El Rey de los Elfos: línea vocal ondulante, va de arriba y abajo con un acompañamiento de arpegio, esto resulta en un marcado contraste y está en modo mayor. El Rey de los Elfos es generalmente cantado en pianissimo dando un tono de furtiva persuasión.


Un quinto personaje, el caballo, está implícito en la rápida figura del tresillo que toca el pianista simulando las pisadas del animal.


Erlkönig comienza rápido, tocado en octava para recrear el tema con tono de horror y tresillos de forma repetida para simular el galopar del caballo; esta forma continua a través de toda la pieza. Con cada ruego del niño crece su voz y el timbre se vuelva más alto. Casi al final de la pieza la música se acelera (mientras el padre trata de apurar el paso del caballo), luego se vuelve lenta (mientras llega), y se detiene la música para la frase final, “In seinen Armen das Kind war tot” (En sus brazos el niño estaba muerto). La pieza termina con una candencia dramática.


Esta composición se considera muy difícil de cantar debido a la caracterización vocal requerida del vocalista así como la dificultad del acompañamiento, que requiere la rápida repetición de acordes y octavas para crear el drama y la urgencia del poema original.


Leyenda


La leyenda del Rey de los Elfos parece haberse originado en tiempos relativamente recientes en Dinamarca. Goethe baso su poema en “Erlkönigs Tochter” (“La hija del Rey de los Elfos”), una obra danesa traducida al alemán por Johann Gottfried Herder. El título era “La hija del Rey de los Elfos” y apareció en su colección de canciones folclóricas, Stimmen der Völker in Liedern (publicada en 1778).


La naturaleza del Rey de los Elfos está sujeta a debate. El nombre se traduce literalmente del alemán como “Rey de los Alisos”, a diferencia de la traducción “Rey de los Elfos” (la cual sería en alemán Elfenkönig o Elbenkönig). Se ha dicho que “Erlkönig” es una mala traducción hecha del danés “ellerkonge” o “elverkonge” la cual sí quiere decir “Rey de los Elfos”. De acuerdo con el folclore alemán y danés el Rey de los Elfos aparece como presagio de la muerte, parecido a la banshee en la mitología irlandesa, pero a diferencia de la banshee, el Rey de los Elfos sólo se le aparece a la persona que va a morir. Su forma y expresión le dicen a la persona qué tipo de muerte tendrá: una expresión de dolor significara una muerte dolorosa mientras que una expresión pacifica una muerte tranquila. Otra interpretación sugiere que la leyenda dice que cualquiera que toque al Rey de los Elfos debe morir.














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Schubert, Lieder, Winterreise (Viaje de Invierno)




Schubert 

 D. 772 (Op. 22-2) 
Wehmut






Christa Ludwig, mezzo
Irwin Gage, piano


Schubert

D. 775 (Op. 59-3)
Dass sie hier gewesen






Christa Ludwig, mezzo
Irwin Gage, piano


Schubert


Müller - Die Schöne Müllerin D.795
(Text: Wilhelm Müller) 







Franz Schubert, Die schöne Müllerin (Op. 25, D. 795), song cycle on poems by Wilhelm Müller
Ian Bostridge, tenor ; Mitsuko Uchida, piano
1.Das Wandern 1:27
2.Wohin? 4:02
3.Halt! 6:18
4.Dankgesang an den Bach 7:45
5. Am Feierabend 10:14
6.Der Neugierige 12:57
7.Ungeduld 17:21
8.Morgengruss 19:50
9.Des Müllers Blumen 24:35
10.Tränenregen 27:51
11.Mein! 32:07
12.Pause 34:45
13.Mit dem grünen Lautenbande 39:47
14.Der Jäger 41:31
15.Eifersucht und Stolz 42:32
16.Die liebe Farbe 44:11
17.Die böse Farbe 48:36
18.Trockne Blumen 50:48
19.Der Müller und der Bach 55:14
20.Des Baches Wiegenlied 59:46



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Franz Schubert -1797-1828-, Lieder: 
Winterreise (Viaje de Invierno)






BAJO: Martti Talvela
PIANO: Ralf Gothóni

Viaje de Invierno

Gute Nacht (Buenas noches), (Fremd bin ich eingezogen...), en re menor.

LDie Wetterfahne (La veleta), (Der Wind spielt mit der Wetterfahne...), en la menor.

Gefrorne Tränen (Lágrimas heladas), (Gefrorne Tropfen fallen...), en fa menor.

Erstarrung (Entumecimiento), (Ich such im Schnee vergebens...), en do menor.

Der Lindenbaum (El tilo), (Am Brunnen vor dem Tore...), en mi mayor.

Wasserflut (Torrente), (Manche Trän aus meinen Augen...), en mi menor.

Auf dem Flusse (En el arroyo), (Der du so lustig rauschtest...), en mi menor.

Rückblick (Mirada atrás), (Es brennt mir unter beiden Sohlen...), en sol menor.

Irrlicht (Fuego fatuo), (In die tiefsten Felsengründe...), en si menor.

Rast (Descanso), (Nun merk ich erst, wie müd ich bin...), en do menor.

Frühlingstraum (Sueño de primavera), (Ich träumte von bunten Blumen...), en la mayor.

Einsamkeit (Soledad), (Wie eine trübe Wolke...), en si menor.

Die Post (La diligencia correo), (Von der Straße her ein Posthorn klingt...), en mi bemol mayor.

Der greise Kopf (La cabeza cana), (Der Reif hatt einen weißen Schein...), en do menor.

Die Krähe (La corneja), (Eine Krähe war mit mir...), en do menor.

Letzte Hoffnung (Última esperanza), (Hie und da ist an den Bäumen...), en mi bemol mayor

Im Dorfe (En el pueblo), (Es bellen die Hunde, es rasseln die Ketten...), en re mayor.

Der stürmische Morgen, (Mañana tormentosa), (Wie hat der Sturm zerrissen...), en re menor.

Täuschung (Engaño), (Ein Licht tanzt freundlich vor mir her...), en la mayor.

Der Wegweiser (El poste), (Was vermeid ich denn die Wege...), en sol menor.

Das Wirtshaus (La posada), (Auf einen Totenacker...), en fa mayor.

Mut (Valor), (Fliegt der Schnee mir ins Gesicht...), en sol menor.

Die Nebensonnen (El Parhelio), (Drei Sonnen sah ich am Himmel stehn...), en la mayor.

Der Leiermann (El organillero), (Drüben hinterm Dorfe...), en la menor.




  *   *


Winterreise (Viaje de invierno) es un ciclo de lieder compuesto por Franz Schubert, sobre poemas de Wilhelm Müller. Lleva como n.º de Opus 89. En el Catálogo de Deutsch es el D. 911.
Es una de las obras que compuso en el último año de su vida, y el conjunto de lieder que más trabajó. Considera D. Fischer-Dieskau que "El viaje de invierno representa todas las obras del último año, en lo que se refiere a elevación, intuición y ampliación de la técnica de composición".
Junto al ciclo La bella molinera, representa la popular música de cámara en el siglo XIX, y son el máximo exponente del "ciclo de lieder", género vocal que con Schubert pasa a la "gran forma". Reflejan la personalidad de su autor y dejan, interpretados correctamente, una "impresión heladora, sin concesión al encanto austriaco o a la felicidad lacrimógena" (D. Fischer-Dieskau).
Representa un mundo mental y psicológico muy cercano a las pinturas de Caspar David Friedrich y en la filosofía juvenil de Arthur Schopenhauer.












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Franz Schubert, "Cantar de los espíritus sobre las aguas"



Franz Schubert 

Goethe, Johann Wolfgang von

"Gesang der Geister über den Wassern"

- OP 167 -






El Canto de los espíritus sobre las aguas de Franz Schubert, escrito sobre un texto del poeta Johann W. Goethe. El compositor austriaco mostró una especial inclinación hacia la producción de este poeta, cuya obra se encuentra presente en varias de sus composiciones. Para ponerle música al Canto de los espíritus sobre las aguas Schubert acude a una textura orquestal reducida a violas, violonchelos y contrabajos, acompañados por un coro masculino. Con ello quería adaptarse al sentido íntimo y algo mágico del texto. El resultado es sumamente efectista, discurriendo musicalmente a través de varias secciones diferenciadas en carácter en función de su significado literario. 











D 538   


"Cantar de los espíritus sobre las aguas"



Quartet "Gesang der Geister über den Wassern"  

















D 714 Octet 
"Cantar de los espíritus sobre las aguas"
Octeto "Gesang der Geister über den Wassern" 

para cuatro tenores y cuatro bajos.



 









(otras opciones son D 484, 704, 705)



"Gesang der Geisterüber den Wassern"
Johann Wolfgang von Goethe
"Gesang der Geister über den Wassern Cantar de los espíritus sobre las aguas"




Des Menschen Seele El alma humana
Gleicht dem Wasser: Es como el agua:
Vom Himmel kommt es, Que viene del cielo,
Zum Himmel steigt es, Se eleva hacia el cielo,
Und wieder nieder Y de nuevo
Zur Erde muß es, A la Tierra, se debe
Ewig wechselnd. Cambiando para siempre.

Strömt von der hohen, Fluye del alto,
Steilen Felswand Acantilado
Der reine Strahl, El chorro de puro
Dann stäubt er lieblich Luego se espolvorea dulce
In Wolkenwellen Las ondas en las nubes
Zum glatten Fels, A la piedra lisa,
Und leicht empfangen Y recibió un poco
Wallt er verschleiernd, Wallt que ocultar,
Leisrauschend Susurrante voz baja
Zur Tiefe nieder. Abajo a la profundidad.

Ragen Klippen Acantilados se elevan
Dem Sturz entgegen, La caída se encuentran,
Schäumt er unmutig Enfadadas espumas
Stufenweise Paso a paso
Zum Abgrund. Hacia el abismo.

Im flachen Bette En la cama plana
Schleicht er das Wiesental hin, Se escapa el Wiesental
Und in dem glatten See Y en el lago en calma
Weiden ihr Antlitz Pastoreo caro
Alle Gestirne. Todas las estrellas.

Wind ist der Welle El viento es la onda
Lieblicher Buhler; Dulce Buhler;
Wind mischt vom Grund aus Viento mezcla de la tierra
Schäumende Wogen. Entrecortado.

Seele des Menschen, Alma del hombre,
Wie gleichst du dem Wasser! A medida que son como el agua!
Schicksal des Menschen, Destino del hombre,
Wie gleichst du dem Wind! Como usted es como el viento! 

(1779)
 

"Gesang der Geister über den Wassern", D.538
Compositor Franz Schubert, Fecha de Composición 1817 1817
- Libretista Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) 


















"Manfred" / Lord Byron - Robert Schumann






 Robert Schumann

"Manfred"


 op, 115






Berlin Philharmonic, Wilhelm Furtwangler
Live Recording, December 18, 1949


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"Manfred" 


Lord Byron




Poema dramático Manfred de Robert Schumann, su opus 115, obra compuesta en 1848-49, posterior a Tanhaüsser y previa al Lohengrin de Wagner, en donde hay pasajes que suenan realmente wagnerianos, probablemente bajo la influencia recíproca. Se trata de una obra que combina el poema dramático de Lord Byron con la música de un Schumann romántico, conciso e intimista al final de su vida.



George Gordon Byron, según un cuadro 
de Thomas Phillips de 1813



Schumann

"Manfred"

"Gesang der Geister"

"Hymnus der Geister Arimans"







Robert Schumann (1810-1856)

"Manfred": Dramatisches Gedicht in drei Abteilungen von Lord Byron für Soli, Sprecher, Chor und Orchestra op. 115.

Philharmonische Werkstatt Schweiz
Basler Madrigalisten
Einstudierung: Fritz Näf

Lisa Larsson, soprano
Regina Jakobi, mezzo-soprano
Steve Davislim, tenor
Tuomas Pursio, bass
Peter Lika, bass
Peter Schweiger, Manfred
Liliana Heimberg, Alpenfee / Astarte
Rosalinde Renn, Nemesis
Klaus Henner Russius, Abt (Abbé)
Conducted by Mario Venzago.
1994.

"Manfred ou la recherche de l'ANIMA perdue" / Manfred oder die Suche nach der verlorenen ANIMA" / M. or the search for the lost soul or Anima" (by Mario Venzago.)

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Según Johannes Brahms Manfred constituye la obra orquestal mejor lograda del compositor alemán Robert Schumann. Esto en realidad fue un elogio a una de las creaciones más emblemáticas de Schumann si se tiene en cuenta que para entonces componer una pieza orquestal, luego de los logros beethovenianos, no era una tarea nada fácil. Como era de esperarse, a la sombra de Beethoven, no parecía haber muchas opciones. Schumann escogió una que conocía bien para desarrollar una obra musical: inspirarse en los valores de la literatura. Fue así como nació Manfred, la música incidental concebida para el famoso poema del escritor inglés Lord Byron.

En su conjunto Manfred está integrada por la obertura -incluida en el programa de hoy- y 15 secciones más. Aunque el total de la partitura es un despliegue de expresividad basada en el contenido poético de Byron, la obertura es la que ha entrado el repertorio de concierto y se ha hecho popular. Se destaca por la condensación de emociones diversas y contrastantes. De allí que pueda escucharse como una síntesis del poema en el que la visión dramática encuentra varios de los elementos básicos del romanticismo, entre ellos: la idealización amorosa de una figura femenina inalcanzable, en este caso representada por Astarte; a raíz de la muerte de Astarte, Manfred se sumerge en una situación conflictiva que mezcla sentimientos e intentos de dominar el orden natural; ante el infructuoso despliegue de todas las fuerzas para restaurar el pasado y recuperar a Astarte, finalmente llega la muerte como la solución final y única posible.

La obertura de Manfred la estrenó Schumann en marzo de 1852 y tres meses más tarde se estrenó la obra completa bajo la dirección Franz Liszt.

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Manfred es un poema dramático escrito en 1816 - 1,817 mil por Lord Byron. Contiene elementos sobrenaturales, de acuerdo con la popularidad de la historia de fantasmas en Inglaterra en ese momento.

Es un ejemplo típico de un romántico drama de armario. Manfred fue adaptado musicalmente por Robert Schumann en 1852, en una composición titulada Manfred: poema dramático con la música en tres partes, y más tarde por Pyotr Ilyich Tchaikovsky en su Sinfonía Manfred.

Friedrich Nietzsche se impresionó por la representación del poema de un ser sobrehumano, y escribió la música para ella.

Byron escribió este "drama metafísico", como él lo llamó, después de su fracaso matrimonial en un escándalo en medio de acusaciones de conductas sexuales impropias y una relación incestuosa entre Byron y su medio hermana, Augusta Leigh. Atacado por la prensa y condenado al ostracismo por la sociedad londinense, Byron huyó de Inglaterra a Suiza en 1816 y nunca regresó. Because Manfred was written immediately after this and because Manfred regards a main character tortured by his own sense of guilt for an unmentionable offense, some critics consider Manfred to be autobiographical, or even confessional.

Debido a que Manfred fue escrito inmediatamente después de esto ya que Manfred se refiere a un personaje principal torturado por su propio sentido de culpabilidad por un delito no se mencionan, algunos críticos consideran Manfred ser autobiográfico, o incluso confesional. La relación con Astarté en Manfred se cree que representa la relación de Byron con su media hermana Augusta.

Byron comenzó este trabajo a finales de 1816, sólo unos pocos meses después de la famosa historia de fantasmas, las sesiones que dieron el impulso inicial de Mary Shelley, Frankenstein. Lo sobrenatural hace referencia clara a lo largo del poema. Manfred recuerda viajar en el tiempo (o proyección astral viaje) al palacio del César ", "and fill'd up, As 't were anew, the gaps of centuries...".

Argumento

Manfred es un Fausto de vida noble en el Alpes de Berna. Internamente torturado por una culpa misteriosa, que tiene que ver con la muerte de su más querido, Astarté, utiliza su dominio del lenguaje y el lanzamiento de hechizos para convocar a siete espíritus, de quien busca el olvido. Los espíritus, que gobiernan los distintos componentes de la corpórea del mundo, son incapaces de controlar los acontecimientos pasados y por lo tanto no puede conceder la petición de Manfred. Desde hace algún tiempo, el destino le impide escapar de su culpabilidad a través del suicidio. Al final, Manfred muere desafiando las tentaciones religiosas de la redención del pecado. A lo largo del poema, él tiene éxito en desafiar a todos los poderes de autoridad que se encuentra, y elige la muerte en la presentación a los espíritus de los poderes superiores. Manfred dirige sus últimas palabras ante el Abad, comentando, "Old man! 'T no es tan difícil que morir".

relevancia biográfica

Manfred fue escrito poco después del fracaso del matrimonio de Byron a Annabelle Millbanke, que muy probablemente lo acusó de una relación incestuosa con su hermanastra Augusta Leigh. En ese momento, se había exiliado a sí mismo permanentemente de Inglaterra y estaba viviendo en la Villa Diodati, en Suiza. La mayor parte de Manfred estaba escrito en un recorrido por las Alpes de Berna en septiembre de 1816. El tercer acto fue reescrito en febrero de 1817 ya que Byron no estaba contento con su primera versión.

Manfred muestra cierta influencia de Goethe 's Fausto , que sólo Byron leído u oído en la traducción, pero no es una simple copia. 



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Manfred on the Jungfrau par John Martin (1837)

Manfredo   Lord Byron


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Robert Schumann en 1850



Manfred de Robert Schumann



La música para Manfred fue compuesta en 1848-1849. Schumann dirigió el estreno de la obertura en Leipzig, el 14 de marzo de 1852. La obra completa fue puesta en escena ese año en Weimar. Schumann padecía períodos de grave desequilibrio mental. A veces se sentía impulsado por hostigaciones interiores que no lo dejaban descansar hasta que terminaba una composición. Manfred, por ejemplo, fue compuesta por hostigaciones constantes de voces interiores.

Era un proyecto especialmente apropiado para Schumann. Justamente había terminado la ópera Genoveva, que se refiere a una mujer trágica. Ahora sentía la necesidad de reconciliar uno de sus principales conflictos de personalidad, abocando sus esfuerzos a la realización de una composición dramática referida a un héroe masculino.

Así como era alternativamente dependiente o independiente de terceros, así como su conducta vacilaba entre el aislamiento y la intimidad, así como inventaba dos alter egos imaginarios para representar las fuerzas opuestas de su personalidad, así como luchaba con el clasicismo frente al romanticismo en sus composiciones, también padecía Schumann de un conflicto de identidad sexual. En su época juvenil había tenido intimidad tanto con hombres como con mujeres y ahora buscaba reconciliar su ambigüedad a nivel artístico: una ópera sobre una mujer seguida inmediatamente (en verdad comenzó Manfred a menos de un día después de terminar Genoveva) por una obra dramática sobre un hombre.

Schumann se identificaba con el Manfred de lord Byron, un héroe melancólico lleno de turbulencias interiores. El poema de Byron representa a Manfred en la cima de un peñasco en los Alpes. Experimenta una culpa intensa por haber destruido a una mujer cuyos errores en verdad habían sido los de él. Le distrae "un bello sonido, una voz vivida, una armonía palpitante". Manfred contempla la posibilidad de escapar a través del suicidio. Se da cuenta de que si decide no saltar quizá se vea sumido en la locura. Pero él evita ambas formas de autodestrucción.

Los paralelismos entre el héroe de Byron y Schumann son extraordinarios y no es sorprendente que el compositor se sintiera atraído por Manfred. Como explica el musicólogo Frank Cooper:


    Schumann "conocía demasiado bien los dilemas de Manfred. No buscaba la locura que buscaba Manfred, pero esta buscó, halló y poseyó a Schumann. Su tragedia fue enloquecer mientras trataba desesperadamente de aferrarse a la cordura y al arte que sólo la cordura puede producir. Quizá por eso Manfred es una creación tan curiosa".



Aunque Schumann compuso 15 escenas, en la actualidad la música de Manfred se conoce principalmente por la obertura. El dilema del héroe está simbolizado por esta apertura tan extraña: tres acordes parejamente espaciados que aparecen en la partitura como síncopas pero que no pueden ser escuchados como tales, ya que nadie en la orquesta toca realmente sobre los tiempos fuertes. El dilema del músico es cómo hacer que esos acordes suenen fuera de compás cuando el compás mismo es inaudible. Los tres acordes permanecen aislados de la posterior introducción, elaborada y lenta. Tampoco regresan de ningún modo manifiesto durante toda la obertura anhelante, perturbada y romántica. Por lo tanto la música no ofrece ninguna solución, del mismo modo en el que el Manfred de Byron no resuelve sus problemas.